Blog

Jan 05, 2024

Il mondo dell'arte ricorda il visionario Brice Marden

Di Marley Marius In un articolo tratto dal numero di Vogue del luglio 1989 intitolato Making His Mark, il poeta e critico John Yau scriveva: “Se Lou Reed è il cantautore che meglio riassume la dura e inquietante

Di Marley Marius

In un articolo tratto dal numero di Vogue del luglio 1989 intitolato Making His Mark, il poeta e critico John Yau scriveva: “Se Lou Reed è il cantautore che meglio riassume le dure e inquietanti contraddizioni della vita a New York City, allora Brice Marden è il pittore newyorkese che meglio incarna l’idea sempre più controversa secondo cui fare arte è una pratica nobile”.

Marden è morto giovedì nella sua casa nella contea di Duchess, New York, all'età di 84 anni. La sua seconda moglie, Helen, un'artista a pieno titolo, ha identificato la causa della morte come cancro.

Marden attirò per la prima volta l'attenzione del mondo dell'arte negli anni '60, quando persistette nell'abbracciare la pittura - allora considerata irrilevante dai campioni dell'arte pop, concettuale e della scultura minimalista - come qualcosa di infinitamente ed elegantemente espressivo. Nelle parole di Yau, il lavoro di Marden, che nel corso degli anni ha preso spunto dal minimalismo, dall'espressionismo astratto e dalla pittura a campi di colore, ha reso l'astrazione "capace di dichiarare dichiarazioni personali e passioni particolari".

Nato Nicholas Brice Marden Jr. il 15 ottobre 1938, Marden si è avvicinato presto all'arte, seguendo il suo entusiasmo da Briarcliff Manor, New York, dove è cresciuto, al Florida Southern College e poi alla Boston University (come studente trasferito) , ricevendo lì il suo BFA nel 1961. Ma fu alla Yale University School of Art che trovò la sua strada nell'astrazione, abbandonando gli autoritratti e le nature morte che aveva realizzato da studente universitario e conseguendo il suo MFA nel 1963. lì, Marden si trasferì a New York, dove lavorò in vari modi in una tipografia serigrafica, come guardia al Museo Ebraico e come assistente di studio di Robert Rauschenberg prima che la sua attività iniziasse sul serio.

La prima mostra personale di Marden, allestita alla ormai defunta Bykert Gallery di New York nel 1966, si dilettava in generose applicazioni di colore puro e gocciolante, la tattilità distintiva delle sue tele derivava da una miscela di pittura ad olio e cera d'api liquefatta. (Vedere, al Museo Ebraico, il modo in cui Jasper Johns introduceva la texture sulle superfici dei suoi dipinti aveva in parte informato questo approccio.) Nonostante i toni tenui, Marden resistette vigorosamente all'idea che il suo lavoro fosse privo di emozione. “Ogni strato era un colore, era una sensazione, una sensazione collegata al sentimento, al colore, allo strato sottostante. Una concentrazione di sentimenti a strati”, spiegò nel 1988.

La sua produzione sarebbe continuata in quella vena monocromatica fino alla metà degli anni '80, quando, dopo una visita in Asia, Marden adottò un vernacolo di linee vorticose, sinuose e incrociate ispirate alla calligrafia, alla poesia e alla filosofia cinese. (Per quanto fosse allettante, a questo punto, paragonare i gesti di Marden a quelli di Jackson Pollock - l'uso della linea da parte di entrambi gli uomini sembrava cinetico ed "infinitamente evocativo" - Yau stabilì che mentre i dipinti di Pollock erano "viscosi, taglienti ed esplosivi", quelli di Marden erano realizzati di materiale più delicato, “poroso, laconico”.) Continuerà a perfezionare questo stile negli anni 2000, intensificando i colori e riducendo le linee in serie come Red Rock (2000–02) e The Propicious Garden of Plane Image (2000 –06).

Anche dopo aver iniziato la chemioterapia per il cancro del retto al Memorial Sloan Kettering nel 2017, Marden ha continuato a dipingere, dichiarando al New York Times nel 2019: “Sono stato in grado di affrontare tutto questo. Non mi ha fatto sbrigare le cose. Non mi ha fatto lavorare diversamente. È stata semplicemente una cosa in più a cui pensare. Nell'ottobre del 2017, il suo imponente dipinto a cinque pannelli Moss Sutra With the Seasons (2010-2015) è stato inaugurato in una galleria dedicata a Glenstone nel Maryland, la monumentale commissione che combina, come lo ha descritto il museo, "elementi stilistici caratteristici del fermalibri [Marden's ] carriera: due monocromi con tavolozze complesse e stratificate fiancheggiano ciascun lato di un grande pannello centrale, che presenta gesti fluidi e calligrafici su uno sfondo sottilmente oscillante.

"Quando le persone si fermano in quella stanza, improvvisamente diventano davvero silenziose", ha detto al Times Mitchell P. Rales, fondatore di Glenstone.